Kraftwerk:他们一手构建了电子乐的世界

摘要:于是我们今天借助Kraftwerk的这张《The Man-Machine》,从70年代的泡菜摇滚讲起,了解 Kraftwerk是如何从音乐转变为真正得以永远存在的艺术品的。

当代音乐从布鲁斯开始,就一直是黑人一直贡献着全部的动力和源泉,几乎后来所有的音乐风格都是从他们身上一点点演变而来。在不断发展的几十年间,即便音乐已经从最初奥尔良的农田之间走向了全世界最大的榜单之上,但黑人音乐和白人音乐之间仍旧维持至单向索取的方式,直到Kraftwerk的出现。

提起Kraftwerk(发电站乐队),也许在很多年轻一代心中还是相对陌生的存在,但是他们的影响却可以和披头士相提并论。

这支成立于1970年的德国的电子乐队,至今还一直活跃在世界舞台上。今年5月,乐队前首脑之一的Florian Schneider因病去世,引起许多乐迷们的遗憾和感慨,现在再回看发电站的作品和影响,无一不是充满了天才的创造和艺术的魅力。

于是我们今天借助Kraftwerk的这张《The Man-Machine》,从70年代的泡菜摇滚讲起,了解 Kraftwerk是如何从音乐转变为真正得以永远存在的艺术品的。

一、泡菜摇滚

1968年,一阵阵新的风潮吹到全世界各地。在美国催生了喊着自由和与爱的嬉皮士们,在法国变成了新浪潮电影的开端,而在德国,则出现了一批想要突破英美音乐的年轻人们,他们组建乐队,探索着实验摇滚的内容,在世界范围内发出新的声音。

当这些音乐逐渐传到英美等地时,面对这群德国新声,一个略带贬义的 “Krautrock(泡菜摇滚)” 则成为了他们的代名词。

在泡菜摇滚盛行的十年间,德国诞生了非常多的乐队先后参与到这次风潮中来。但是其中很大一部分只是在重复英美的创作,并没有达到最初想要表达出不一样音乐的目的。但还有少数的十几支精英的乐队,他们在不断的实验创作中逐渐找到了属于自己的表达和主题,他们的音乐充满了复杂的天马行空,偏重于实验性的探索,运用合成器和传统电声乐器的结合,先锋感的音乐里却不同于英美极度混乱的情绪堆叠,反而多了一丝冷静的疯狂。

除了传统的摇滚乐器之外,管乐、风琴、长笛、电子合成器等等都被他们用于自己的音乐之中。迷幻的音色效果中仍然保留了一些根源音乐的影响,他们以此为手段开始在实验电子、迷幻太空中逐步使“泡菜摇滚”的声音传的越来越远。

而在这之中,Kraftwerk就成为了一支相当特别的代表。

说他们相当特别是因为,时至今日仍然很多人视Kraftwerk为泡菜摇滚的代表,但其实他们音乐除了70年早期的三张外已经完全不同于常规意义上的泡菜摇滚。不过,他们与泡菜摇滚的联系却不应该被轻易抛开,Kraftwerk更像是从Krautrock之中发展而来的,新的生命。

二、乐队发展

1968年,两个因为在罗伯特·舒曼·霍奇舒勒学院学习古典音乐而相识的 Florian Schneider 和 Ralf Hutter 决定开始他们的音乐之旅。

最初,他们并未独立成团,而是加入了一个名为The Organization 的五人乐队,这支乐队甚至还在1970年发行了一张名为 《Tone Float》的专辑。虽然不过多久乐队就便解散了,但这段短暂的经历却让两人产生了更多的创作灵感。

1970年,Kraftwerk正成立。在最初的阵容里,除了Florian Schneider 和 Ralf Hutter,还包括吉他手Michael Rother与鼓手Klaus Dinger。在之后的三年中,几个人一边演出一边创作,并连续发行了三张专辑,但在风格上仍然没有完全脱离Krautrock。

而与此同时,Michael Rother与鼓手Klaus Dinger则选择退团,并在后来共同组成了Neu!乐队,同样也成为了泡菜摇滚时代艺术成就和知名度最高的乐队之一。

1974年,Kraftwerk迎来了对他们来说最重要的创作转折点——发行《Autobahn(高速公路)》。这是一张完全脱离开传统乐器的专辑,70年代初,几款电子合成器的流行让Florian Schneider 和 Ralf Hutter二人对此产生了浓厚的兴趣。他们不仅学习操作甚至还开始自己进行改装发明,以达到他们更精致的声音要求。

也正是在这样的状况下,世界上第一张电子流行音乐宣告诞生,并正式在美国发行。它里面的一切声音都显得如此冷静规整,这对于已经习惯了接受大段复杂庞杂的电吉他solo的观众来说无疑是一次颠覆的认知。

在这之后,一直到1981年,Kraftwerk又陆续发行了四张成就极高的专辑:1975《Radio-Acticity》、1977《Trans-Europe Express》、1978《The Man-Machine》、1981《Computer World》

从Autobahn开始,在创作主题上Kraftwerk也逐渐转向更科技的领域,无论是无线电辐射、人体机器甚至到计算机世界,他们音乐也开始随着这些内容变得更加具有科技感。

而更加科幻的是当1978年他们发表《The Man-Machine》这张专辑时,开始正式对外宣布,他们将用机器人的形象代表整个Kraftwerk的音乐概念,并与乐队成员们共同存在。这也成为了他们之后逐渐艺术化最重要的来源之一。

Kraftwerk具有极长的艺术生命力,在后来的几十年间,团队一直保持着四人编制,除了乐队两位灵魂人物Florian Schneider 和 Ralf Hutter外,其他两个位置上的人员变化较大,前后换了将近二十人。

但因为他们独有的艺术理念和音乐表演形式导致成员的变动并未对Kraftwerk产生太大的影响,反而成为他们生命力的源泉。因为在今天,Kraftwerk已经不再局限于到底是谁在舞台上演出,他更像一个艺术品,一边有不可复制的意义,一边还有着始终如一的能量。

三、专辑分析

之所以在前面用了很大的篇幅来介绍整个Kraftwerk诞生的背景和发展过程,就是为了让大家对他们的音乐有一个更客观真实的概念。

今天来推荐的这张《The Man-Machine》,是他们1978年发布的第7张专辑。这张专辑在整个Kraftwerk的历程中都占据着相当重要的作用。不仅在音乐上,甚至封面设计,妆发造型都成为了后来最能够代表Kraftwerk的元素之一。

来听歌。

1、The Robots

1977年5月,电影《星球大战》上映,同样具有开拓意味的太空科幻以及其中奇妙的世界引起了乐队的注意。而在此之前,他们就因受到电影大都会的影响决定以机器人的形象来创作者这张专辑。

于是这当开口唱出“We Are Robets”时,他们彻底抛开了人类的温度和情感,将真实的声音卷进电流里。跟我们熟悉的电子感不同,这首歌表现的异常冷静,开头前四分钟都在一种近乎无聊的重复中进行。

它有一种能力,让你觉得在相当长的一段时间里,这股冰冷的感觉都一直在你身边围绕,让你从一种陌生的状态逐渐放松下来,而后逐渐习惯这种声音。这首歌在音效的使用上相对简单,没有大的起伏感,反而更能领会到他们独有的冷静内敛的氛围。

2、Spacelab

毫无疑问,这是一首关于太空的歌曲。70年代,无论是艺术还是科技都处在一个急速发展的状态,因此Kraftwerk也从中获得了许多灵感,刚刚那首《The Roberts》是这样,这首《Spacelab》更是如此。

1977年8月12日,美国宇航飞天飞机项目首次自由飞行,这个来源于电影《星际迷航》 的名字给了乐队无限的想象空间。同年9月,他们观看了著名电子乐作曲家Klaus Schulze的一场音乐会后,创作了这首歌曲,并完成整张专辑构思,宣布正式命名为《The Man-Machine》。

整首歌除了“Spacelab”之外,没有任何一句歌词,相比其他以太空和飞行为主题的歌曲来说,他们的这首歌并不意在扩张出一个多么神秘宏大的宇宙,而是好像真的将你放在了宇宙飞船里,面前是冰冷的操控盘,窗外就是清冷的银河。

你在穿梭,但又感觉不到穿梭。

3、Metropolis

这首歌较于其他两首歌明显在层次上更为丰富,旋律也更加突出。果然在大都会中,人的气息都会变得更加明显。两条不断不断追赶的旋律线像就像是科技和人类的对话,不断的攀附上对方,但又停不下来一直向前的脚步,越来越快的节奏不知道要将终点带向哪里。

后来,当Kraftwerk真的开始将机器人作为乐队的一部分来进行演出时, Ralf Hutter的那番话也许可以更清晰的解释这首歌的意义。

“机器是我们的一部分,我们是机器的一部分。他们和我们一起玩,我们一起玩。我们是兄弟。他们不是我们的奴隶。我们共同努力,互相帮助创造。”

4、The Model

这是一首在发行之初被放到B面并且没有任何成绩的歌曲。他有旋律有歌词,但是除此之外没有当时人们熟知的任何声音,因此也理所应当的被石沉大海。

再一次开始听到回音是在4年后,《The Model》一跃登上了榜单的首位,但这背后并不是什么天赐的机遇,而是那年开始,英美两国开始相继产生多支合成器流行乐队,主流世界的人们终于开始被这种新的声音而吸引,也使得这首歌成为了Kraftwerk后来最为人所熟知歌曲之一。

它不同于前几首,丰富的歌词和脱离了电音效果的人声都让音乐更多的展现出电流交互中的温柔出来。和后面那首《Neon Lights》他回到城市化的魅力里,讲述一个美丽的姑娘,但歌词里仍是极简的描述。

这种反差的感觉成为这首歌最让人欲罢不能的体验。

5、The Man Machine

这是我整张专辑最喜欢的一首歌。说实话,在我认真听这张专辑的前几遍里,都没有能够完全和歌曲建立联系,唯独这一首,每一次听到都能让我起一身鸡皮疙瘩。对我而言,这首歌里我更能够感受到他们独有的那种浪漫的精神。

他们的歌曲里有一种点状感,并不是连贯的音符,而是紧密的一个个触点,但是越听越能够将他们连出一条极美的线条,充满了未来主义的光辉。它冰冷的主线让人在无尽的重复之中催眠到另外一个从未见过的世界。

迪斯科的舞池里充满了机器人类,巨大的霓虹灯模糊了黑夜与白天的区别,抬头就是太空,触手便是银河,而音乐,仍然是人类最大的爱好。

《The Man-Machine》张专辑除了音乐外,另一个最突出的成绩就是他的服装和封面设计。

他们的这张封面设计,明显受到俄罗斯建筑主义的影响很大。据介绍,这个作品的灵感来源是对未来的一种幻想,未来的世界可能会由工程师和科学家掌控。许多的棱角和字体的排版设计都构成了一种包豪斯风格的空间艺术感。

这种构建精神可以说也和他们音乐的思想也极大的融合到了一起,再加上红黑主题元素。强烈的视觉风格影响了包括新浪潮和朋克在内的诸多风格。

从本质上来讲,Kraftwerk确实处于不断的构建之中,他们的音乐世界像是一个巨大的乌托邦,承载着未来的幻想,和永远冷静的态度。他们为世界打开了另一扇通向未来的门。

像预言家一般的音乐在此后的几十年间,不断的影响着原有的音乐人,间接的打开了数个新的音乐风格:New Wave、后朋克、嘻哈、电子等等都在Kraftwerk的音乐中找到了属于自己的养分和能量。他们的旋律、音效、节奏、声音采集每一项都成为了未来世界中不断发扬光大的根本力量。

这是一场艺术的巨变。

从德国到欧洲再到整个世界,时至今日,我们仍然能从新的歌曲中找到他们的影子。他们将早期的电子行为最终转变成为真正意义上的电子乐,他们能够在电流之中发现人类的温度和美,而不只是冰冷的表达。

他们在旧的时代,想象着未来而我们则是站在他们的未来,接受现在。

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